10 Junge und aufregende Künstler*innen, die man nicht verpassen sollte





10 Junge und aufregende Künstler*innen, die man nicht verpassen sollte

Man hört oft und gerne von den alten Meistern, den Künstlerinnen und Künstlern die seit vielen Jahrzehnten an ihrer Kunst feilen und das Handwerk perfektionierten. Das Lebenswerk eines Kreativen kann unglaublich interessant sein, denn es zeigt die Entwicklung über die Jahre hinweg, jedoch haben auch die großen Meister einmal klein anfangen müssen. Dieser Artikel möchte daher die jungen und aufstrebenden Kreativen ins Zentrum stellen, junge Kunstschaffende die bereits jetzt für Aufmerksamkeit sorgen und beginnen,die Kunstwelt auf den Kopf zu stellen. 

Besonders junge Talente müssen kreative Wege finden,um ihre Kunst auszustellen. Marion Sailhen, leitende Kuratorin und Ausstellungsmanagerin bei SINGULART weiss, dass Künstlerinnen und Künstler schon seit einigen Jahren alternative Wege zu klassischen Galerien finden mussten, denn diese wurden immer wählerischer. Viele wollten lediglich die gleichen 1% der Kreativen vertreten, die laut Marktwert attraktiv schienen. Daher mussten die Anderen andere Möglichkeiten finden ihre Kunst zu präsentieren., Meistens nahmen sie die Promotion selber in die Hand mittels den Sozialen Medien und eigenen Webseiten. Und dann kamen natürlich die online Galerien ins Spiel, die einen neuen Kanal darstellen, aber eher als Instanz betrachtet werden sollten. Es zeigt sich, dass jüngere Kunstschaffende diese alternativen Wege gut und gerne ausprobieren. 

Sailen betonte weiter: „Seit der Pandemie sahen aber auch Künstlerinnen und Künstler, die von Galerien vertreten werden, die Chance dieses ergänzenden Kanals oder eher Instanz, die die Digitalisierung nutzt. Einige, die bis anhin ausschliesslich mit physischen Galerien zusammenarbeiten, änderten ihre Strategie und wollten digital werden, wir vertreten ein paar auf SINGULART. Diese Kunstschaffenden haben verstanden, dass es sich beim Digitalen um einen komplementären und keinen kannibalisieren Kunstmarkt handelt, und dass eine online Repräsentation auch für sie wichtig ist. Der digitale Markt ist genauso bedeutsam wie der klassische und bis jetzt existieren sie parallel ohne Kannibalisierung des jeweils anderen.“

Entdecken Sie aufstrebende Talente bei SINGULART, der digitalen online Galerie, bei der Sie junge Kunst kaufen können.

Sebastian Merk Swamp (2021), Sebastian Merk

Abstrakte Kunst ist ein wichtiges Instrument, um das ausdrücken zu können, was mit Worten unbeschreibbar ist. Gefühle und Gedanken kann ich direkt auf das Medium übertragen ohne überhaupt zu realisieren was geschieht.“ – Sebastian Merk

Sebastian Merk ist ein junger Maler aus Deutschland, dessen Werke bereits international in privaten Sammlungen vertreten sind. Seine ersten künstlerischen Experimente zeigten Landschaftsbilder, doch er entdeckte schnell seine Liebe zur abstrakten Malerei. Abstrakte Formen und Farben auf die Leinwand zu bringen, löst ein unbeschreibliches Freiheitsgefühl in dem Talent aus, und ist, was ihn bewegt, weiter zu kreieren. 

In seinen Arbeiten erschafft er neue Interpretationen von bekannten Sujets aus dem alltäglichen Leben. Gemälde in die man eintauchen will und die Realität vergessen kann. Die expressiven und farbenfrohen Leinwände strahlen voller Positivität und Lebensfreude. Die Details und Flächen sind verschiedene Orte in einer Traumwelt. Durch Acrylmarker, Sprühfarbe oder andere Elemente verleiht er seinen Werken eine gewisse Struktur. Seine Werke zu betrachten ähnelt einer Meditation. 

Viktoria Dmytriv Color 54 (2020), Viktoria Dmytriv

„Ich versuche, den Blickwinkel von Farbe und einfachen Formen zum Ausdruck zu bringen, indem ich Fotografien in sinnliche Malerei verwandle.“

Viktoriia Dmytriv ist eine ukrainische Künstlerin, die umgeben von Kreativen aufwuchs, auch da ihr Vater selber Künstler war. Ihre Ausbildung in der Malerei begann im zarten Alter von sechs Jahren und die Passion wuchs mit der Zeit nur noch mehr. Sie befindet sich zurzeit in einer Phase, in welcher sie gerne experimentiert. Die neuesten Inspirationen kommen aus der japanischen Kunst.  

Sie kreiert sowohl mit Ölen als auch mit Acryl und ihr Schaffen ist primär abstrakt. Die Sujets der Künstlerin spiegeln Bilder, die sie in den sozialen Medien entdeckt. Ihre Bilder sind abstrakte Assoziationen zufälliger Fotografien, auch wenn die visuelle Verbindung zwischen beiden minimal ist. Ihre Kreativität schafft einfache Formen, die ihren ersten Eindruck durch Farbe vermitteln. Da sie vor allem Werke des abstrakten Expressionismus kreiert, stehen die rezeptiven & emotionalen Reaktionen des Betrachters im Vordergrund ihrer Kunst.

STOZ Girl with tear (2021), STOZ

Stoz ist das neue Wunderkind der italienischen Street Art. Der 1998 in Mailand geborene junge Marco Stazzini, alias Stoz, ist ein aufgehender italienischer Maler und Bildhauer mit internationaler Anerkennung. Er hat an der Brera-Akademie studiert und seine Werke sind besonders beliebt in Europa und den USA. 

Als aufstrebender Street-Art-Star komponiert er ein neugieriges, visuelles Universum voller Farbe, Kraft und Emotionen. Sein Werk ist primär von JonOne inspiriert aber man sieht auch die Einflüsse von Meistern wie Jean Michel Basquiat und Jackson Pollock. Der aufstrebende Künstler hat ein facettenreiches Werk und arbeitet mit zahlreichen Medien. Letztendlich erreicht Stazzini eine Ästhetik, die den Betrachter in eine Welt eintauchen lässt, die man nicht mehr so schnell verlassen möchte.

Kamile Lukrecija Lukosiute Money makes the world go round (2021), Kamile Lukrecija Lukosiute

„Mein Stil variiert von abstrakt bis modern, von Pop Art über Fotografie bis hin zu einäugigen Portraits. Meine Arbeit enthält Tonnen von Sarkasmus und den Drang, den Betrachter zu provozieren und dessen Aufmerksamkeit zu erregen.“

Kamile Lukrecija Lukosiute ist ein talentierte junge Malerin und Fotografin aus Litauen. Sie zeichnete schon früh jeden Tag und ihre Faszination und Passion zur Kunst wuchs beständig. Ihre Arbeiten sind unter anderem von der Street Art inspiriert und werden mit einer Vielzahl von Materialien hergestellt, darunter Acryl, Öl, Pastell, Bleistift und Sprühfarbe. 

Sie nennt sich selber die 3-äugige Künstlerin, die keine Augen auf der linken Seite der Leinwand malt und diese erkennbaren Portraits ließen viele Kunstinteressenten grübeln, warum. Die Künstlerin möchte mit dem einäugigen Blick die Tiefen der Kreativität erforschen. Ihre Bilder sind kühne, ausdrucksstarke Kunstwerke, die politische Themen nicht scheuen. Auf ihren Leinwänden vermischen sich Details aus der Street Art mit existenziellen Gedanken und Themen, die mit der zeitgenössischen Kunstwelt, Popkultur und Politik zu tun haben. Verschiedene Zitate und ironische Fragen laden den Betrachter zu einer Diskussion über den Wert eines Kunstwerks, die Wahrnehmung der Popularität eines Kreativ-Schaffenden und die Bedeutung einer Ikone in der modernen Gesellschaft ein.

Virgi Aileen Sugar Candy (2021), Virgi Aileen

Die Kombination aus Schwarz und Weiß erzeugt das breite Spektrum beginnend von Eleganz bis hin zur unergründlichen Tiefe.“

Als die deutsche Künstlerin Virgi Aileen von ihrem ehemaligen Kunstlehrer das Kompliment erhielt, wie Picasso zeichnen und malen zu können, gab ihr das den nötigen Anreiz und Mut, ihren eigenen Stil zu entwickeln, denn sie möchte zeigen, dass die Kunst immer wieder etwas Neues erschaffen kann. So entfaltete sich ihr einzigartiger Stil, der von der komplexen Dynamik der menschlichen Natur inspiriert ist. 

Ihre Werke werden von der erstaunlichen und komplexen Dynamik der menschlichen Natur inspiriert. Ein Schwerpunkt liegt bei der Künstlerin auf der Darstellung des weiblichen Körpers, der in Kombination mit anderen Lebewesen auf großformatigen Leinwänden präsentiert wird. Ihre Sujets, ausgedrückt durch wild kreuzende Linien, emotionale Farben und mysteriöse Symbole, die vor einem starken Hintergrund stehen, machen ihre Gemälde so ausdrucksstark. Aileen arbeitet Stilübergreifend und spontan, ihre Werke zeigen einzigartige Kompositionen und sind ein Kommentar zur Vielseitigkeit der menschlichen Existenz. Virgi hat ihre Kunstwerke in Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland ausgestellt.

Gustav Sonntag Bettanemone (2020), Gustav Sonntag

„Künstlerisches Schaffen ist für mich ein magisches Mittel um die Welt durch meine Augen blicken zu lassen.“

Gustav Sonntag ist ein multidisziplinärer Künstler aus Deutschland, dessen Werke national sowie in Italien, Schweden und China ausgestellt wurden. Bereits im zarten Alter von drei Jahren half das Talent seinem Vater Leinwände aufzuziehen, zu grundieren und zu bemalen.  

Fasziniert von „zwischenmenschlichen Konstellationen“ und der Erforschung der Individualität eines Menschen liegt das Hauptaugenmerk des Künstlers darauf, das Ungewöhnlichen in vermeintlich gewöhnlichen Situationen zum Vorschein zu bringen. Im Zusammenfügen von Traum, Spiritualität und Realität geht es Sonntag darum, eine neue Wahrheit zu kreieren und darzustellen. Dabei spielt auch der Zeitaspekt und die Prozesshaftigkeit der Wahrnehmung eine wichtige Rolle. 

Sonntag nutzt oft Fotovorlagen aus seinem Archiv, verändert was er sieht oder fügt verschiedene Motive zusammen um neue Atmosphären mit narrativen Aspekten zu schaffen und um Gefühle zu verbildlichen und Geschichten zu erzählen. Dabei verwendet er eine Vielzahl malerischer Techniken, wie traditionelle Ölmalerei, Acryl- oder  Lasurmalerei bis hin zum partiellen Auftragen von Blattgold oder dem simplem Zufall, um die jeweils gesuchte Illusion darzustellen.

Phoebe Hardwick Woman with plants (2021), Phoebe Hardwick

Phoebe Hardwick ist eine aufregende britische Malerin und Zeichnerin, die ihre Arbeiten national ausgestellt hat. Inspiriert wird die Artistin von den subtilen Erzählungen holländischer und flämischer Künstlerinnen und Künstler sowie dem Kino, von dem sie ein großer Fan ist.

Ihre Gemälde konzentrieren sich darauf, komplexe Themen rund um historische und zeitgenössische Perspektiven von Frauen in Kunst und Gesellschaft zu verdeutlichen. Das Sujet „Frau“ wurde nicht nur von der männlichen Perspektive dominiert, sondern hat auch die Art und Weise verändert, wie beide Geschlechter Frauen betrachten. Dies ist etwas, mit dem sich Phoebe auseinandersetzt, indem sie oft die gleichen Motive verwendet, die von diesen klassischen Künstlerinnen und Künstlern verwendet wurden, und sie in seltsame oder unbehagliche Kompositionen integriert, um sie zu betonen oder zu untergraben. Oft werden in den Gemälden voyeuristische Blickwinkel verwendet, die den Betrachter in die Szenen eintauchen lassen und so die bizarren Untertöne, die ein Bild enthalten kann, hervorheben. 

Phoebes Arbeiten, die in einem naturalistischen Stil nach anfänglichen Fotografien wiedergegeben werden, behalten eine mehrdeutige Erzählung bei, indem sie erkennbare Motive, die in klassischen Gemälden vorkommen, verwenden und sie so interpretieren, dass sie den Betrachter subtil dazu anleiten, die Dynamik zwischen Subjekt und Betrachter zu hinterfragen.

Stefan Leitner Maktub (2020), Stefan Leitner

„Authentizität vor Schönheit.“

Stefan Leitner ist ein aufstrebender deutscher Maler, der national ausgestellt hat. Durch seine Leidenschaft fürs Skateboarden tauchte er in eine neue Szene ein und wurde ständig von Kunst und Illustrationen umgeben. Mit 16 fing Leitner an Textile zu bedrucken und die Motive dafür anzufertigen. Dieser kreative Prozess der Gestaltung faszinierte ihn sehr und er begann seine Kunst in Pop-up Stores zu zeigen und traf auf positive Resonanz. Seither macht es ihm Spaß unabhängig an seiner Kunst zu experimentieren und seinen Stil weiterzuentwickeln. 

Mit seiner Kunst möchte der Kreative so viele Menschen wie möglich erreichen. Seine Werke haben meist einen eher düsteren Charakter, der an die Nacht erinnert. Dies da er sich zum einen von der Dunkelheit angezogen fühlt und andererseits auch meistens nur zu sehr späten Stunden kreiert. Leitner ist fasziniert von Minimalismus und versucht die Formen und Symbole in seinen Arbeiten auf ein Minimum zu abstrahieren. Diese Reduktion erlaubt es dem Künstler, die Elemente in ihrer puren und elementaren Form darzustellen und sie damit verständlich zu machen. Leitner möchte in seinem Schaffen Ehrlichkeit und Echtheit darstellen. Kein Strich wird verbessert, vorab skizziert oder nachgezogen, alles bleibt wie es auf die Leinwand kommt – denn es gibt kein Richtig oder Falsch in seinen Kreationen. 

Von surrealistischen Kritzeleien bis hin zu schablonierten Porträts vereint Leitners vielfältiges Werk eine einheitliche, hellen Farbpalette sowie eine beeindruckende Balance von Licht und Schatten. Er versucht letztendlich, die Authentizität seiner Materialien, Themen und Gesamtansätze einzufangen, damit jeder Betrachter das Werk individuell entdecken kann.

Yoann Bonneville Sunset III (2021). Yoann Bonneville

„Ich arbeite hauptsächlich an Porträts. Gesichter und vor allem Blicke spiegeln die Welt um uns herum am besten wider. “

Yoann Bonneville ist ein französischer Künstler, dessen Gemälde auf zahlreichen nationalen und internationalen Ausstellungen gezeigt wurden. In seinen Bildern drückt er Gefühle, Emotionen, Ausstrahlung und die Freiheit der Gesellschaft und Zeit dar. Diese Thematiken werden kreativ aufgegriffen, auch wenn keine expliziten Botschaften vermittelt werden sollen. Der Betrachter soll frei durch die Arbeiten navigieren können und das in der Kunst erkennen, was er sehen möchte. 

Street Art, Pop Art, Urban Art – die zeitgenössische Kunst inspiriert den Künstler am meisten. Bonnevilles kühne, vielschichtige Kompositionen mischen Street Art, Pop Art und Urban Art. Er kreiert in Mischtechnik mit Acryl, Sprühfarbe, Collage-Overlays, Schablonen und Markern.

Cédric Kouassin Tchinan DERNIÈRE DANSE (2021) Cédric Kouassi Tchinan

„Das einzige Mal, dass ich mich wirklich und lebendig fühle, ist, wenn ich meine Träume veräußerliche. Ich materialisiere sie, wenn ich zeichne.“

Cédric Kouassi Tchinan ist ein an der Elfenbeinküste lebender Künstler, dessen Gemälde national ausgestellt wurden. Seine lebendigen, von der optischen Kunst inspirierten Werke sprechen vom Geist und von der Reflexion, die als ein Spiel angesehen werden kann, aus dem wir wertvolle Lektionen lernen können. Bereits im Kindergarten faszinierten den Künstler plastische Mittel, denn sie bringen Formen hervor und lassen einem in eine phantastische Welt eintauchen. Ob Linien, Punkte, Striche oder Farbe, malerische Elemente prägten die Persönlichkeit des Kreativen und waren der Grund warum Kouassi Tchinan die Karriere eines plastischen Künstlers einschlug. 

Sein Schaffen hat eine klare Botschaft, eine Reflexion über das Verständnis von Verstand. Das Subjekt seiner Kunst ist die „Odyssee“, die Lebensreise eines jeden einzelnen. Eine gefährliche, schwierige und individuelle Reise, auf der jeder versucht, sich einen Weg zu bahnen, und leider oftmals die anderen über die eigenen Ziele vergisst. In den Augen des Künstlers ist das Leben sowohl eine Reise als auch ein Spiel, das uns bestimmte Werte lehren soll, die aber leider zu selten verstanden werden. Diese Thematik greift Cédric Kouassi Tchinan in seinen Gemälden auf. 

Von der Op Art inspiriert, kreiert der Künstler gerne Bewegungen und spielt mit den Augen des Betrachters. Er verwendet eine geschickte Technik und verschiedene Medien und Materialien wie Kugelschreiber, schwarzen Stein und vor allem Pastellstifte, aber auch Collagen aus Zeitschriften oder Zeitungen die er mit Acrylfare mischt gehören zu seinem Werk.

ÜBER SINGULART

„Da viele Künstler*innen noch nicht digital aufgestellt sind und die traditionellen Akteure in dieser Hinsicht eher zurückhaltend sind, konnten wir mit unserer Idee eine Lücke füllen. Darüber hinaus ist der Kunstmarkt stark fragmentiert und nach Ländern organisiert. Es gibt also keinen großen internationalen Markt, sondern viele kleine. Mit unserer digitalen Lösung sahen wir die Möglichkeit, den Künstler*innen eine globale Sichtbarkeit zu bieten, die sie mit traditionellen Galerien vielleicht nicht hätten.“   – Véra Kempf, Mitgründerin von SINGULART

Eine digitale Lösung, um den Kunstmarkt für Künstler*innen und Sammler*innen zugänglicher zu machen, war die ausschlaggebende Idee zur Gründung von SINGULART.

Vier Jahre nach seiner Gründung floriert das Unternehmen als sogenanntes Scale-up und die Reichweite wächst stetig. Mit über 10 000 Künstler*innen, 2 Millionen Besucher*innen pro Monat und über 64 000 Newsletter-Abonnent*innen hilft SINGULART kreativen Menschen, ihr Leben mit Kunst zu gestalten.

Aber SINGULART ist mehr als eine Webseite um Kunst zu entdecken – das SINGULART Magazin gibt Einblicke in das Leben von Künstler*innen aus aller Welt. 

Der neue Bereich „Live“ auf der Homepage ist Sonderverkäufen, Auktionen und anderen Events gewidmet. Als digitales Unternehmen ist SINGULART stets bestrebt, digitalen Sammler*innen Angebote entsprechend ihrer Online-Präferenzen anbieten zu können.

Die Kunstmarktexpert*innen von SINGULART unterstützen Kunstliebahber*innen nicht nur bei der Suche nach dem perfekten Werk, sei es als Investition oder einfach nur aus Liebe zur Kunst, sondern sie geben auch Einblicke in den Kunstmarkt und interviewen Expert*innen aus verschiedenen Bereichen, um rundum behilflich zu sein. 

In den letzten zwei Jahren ist SINGULART auch in den Offline-Markt vorgedrungen und hat sich durch die Teilnahme an vielen Kunstmessen rund um den Globus, von Miami bis Berlin und New York bis Brüssel – um nur einige zu nennen – einen guten Ruf verschafft.

Vor allem im letzten Jahr waren die Kernwerte und Mission von SINGULART umso wichtiger, denn diese waren die treibenden Kräften hinter dem Unternehmen. Während der globalen Pandemie sollte es Künstler*innen ermöglicht werden, selbst ohne physische Galerien von Ihrer Arbeit leben zu können und weiterhin Kunst schaffen zu können. Dank SINGULARTs Online-Setup war dies möglich, und Künstler*innen konnten Ihr Schaffen an internationale Sammler*innen versenden und weiterhin von ihrer Kunst leben.

veröffentlicht von am 20. Aug 2021. gespeichert unter Museen. Sie können den Rückmeldungen dieser Meldung folgen durch RSS 2.0. Kommentare und Pings sind im Moment nicht zugelassen.

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